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奧古斯特·羅丹（ ，1840-1917）是19世紀末20世紀初英國最杰出的雕像大師。 據英國傳記作家大衛·韋斯所著的《羅丹的故事》一書記載，羅丹一生創作了56座雕像、56座花崗巖雕像、193座石膏雕像以及2000多幅素描和素描。 他的創作豐富多彩，涵蓋了人生的全貌：從嬰幼兒到少年行走的雕像，從成熟到衰老，人間悲歡離合，生老病死，愛情。又恨，又哭又笑，又起床又累。 信仰的覺醒、絕望的訴求……都在他的作品中展現得淋漓盡致。 為此，英國作家R.M 由衷地稱贊羅丹：“他就是一切，絕對是一切”，也就是說羅丹用那么多千變萬化的雕塑向我們展示了各種悲傷、歡樂、歌曲、淚水、甜蜜。和世界上的恐怖。 階段，讓我們看到生活的真相和藝術創作的意義。 在羅丹右手與橡皮泥的接觸中，里爾克看到了創作的過程、創作的秘密，以及展示上帝創造的行走人像，從而明白了詩歌的意義和作家的使命。 確實，羅丹創造了雕像史上的奇跡。 他的許多作品，如《青銅時代》、《加爾文丁》、《思想者》、《吻》等，都在不同時代的觀眾心中留下了不可磨滅的印象。 而且，在我看來，這位雕塑大師最奇怪、最令人回味、最具分析性的作品是《行走的人》。 這座雕像是羅丹為了洗清嫌疑而于1877年創作的。

事情是這樣的：1877年春天，羅丹的第一部重要作品《青銅時代》在倫敦沙龍展出。 由于人物動態自然生動，形象塑造逼真，被指展出了復制超模的“模特”。 最終，羅丹沒有拿任何超模，在街頭創作了這幅裸體男性肖像。 一具無頭人??體正在行走。 羅丹將其命名為“行走的人”。 羅丹被洗清罪名，震驚了整個歐洲，也讓他一舉成名。 雖然《行走的人》不能代表羅丹全部的藝術成就，而且它在羅丹的創作中具有重要的價值，但我們可以通過它來分析羅丹。 首先，從作品《行走的人》中，我們可以分析羅丹的作品創作理念。 1、一個無頭人完全赤身裸體，毫不猶豫，勇敢地前行，似乎有明確的目的，他似乎要帶領全人類走向一個目的地，這顯然就是人類存在的意義，就像雨果所說的“我要去，我要去，我不知道我要去哪里，但我要去。” 而且，《行走的人》中所展現的這些精神狀態，也如同人們帶著超自然的力量向前沖去，任何自然的抵抗都無法抵擋主體精神力量的顯露。 這表明羅丹反對大學學院固定僵化的風格化藝術觀念。 他想擺脫現有的模式，創造屬于自然的藝術。 2、《行走的人》中的雕像沒有腹部和右臂，但在殘廢的四肢下，觀者卻能感受到作品中蘊含的無限動能，在磅礴的氛圍中堅定地獨自行走。

但如果我們仔細觀察這個行走的動作，就會發現這樣的動作在現實中并不存在。 也就是說，這可能違反自然。 然而對于自然，羅丹始終將其視為藝術家心中的男神，并認為只有對自然懷有敬畏之心、真正表現自然的藝術家，才能真正符合他所崇拜的真正的自然法則。 羅丹曾說過：“創作只是為了表達表象；我在表象之外，還要表達內心，而內心實際上是自然的一部分。我聽到的都是‘真實’，而不僅僅是事物的‘真實’。”真正的自然不僅是人們眼中的自然，更是藝術家心中的自然。在羅丹心中，行走是一段時間內的動態運動，是一個完整的運動。他呈現了一系列人體各部位的行走動作，使觀者的視線急劇銜接，形成銅像的運動、行走的感覺。作品表現的是一段時間內的行走動作，而不是某種瞬間的狀態。我們的行走。因此，羅丹的雕像被稱為印象派，而且不準確。其實，要完美地表達人體行走的一系列動態轉變，必須透徹地理解每個動作的銜接，他有自己的方法。研究人體時，他總是讓超模在工作室里自由活動，而不是要求她們機械地擺出某種形狀。 而這些為了取悅人們耳朵而改變自然、畫丑為美的藝術家則是徹頭徹尾的失敗。 這種思想也集中在羅丹的《老妓女》《老妓女》取材于日本作家衛龍的散文《美麗的奧米埃》。

雕像描繪了一位飽受時間折磨的妓女。 她弓著身子坐著，低著頭，腰間布滿了荊棘般的雀斑。 整個身體就如同枯枝一樣。 肥碩的肚子和松弛的手臂，也無聲地證明了這個老妓女已經失去了所有的陽剛之美。 驚人的真實感讓當時的很多女性不敢直接面對這部作品，擔心自己的未來也會如此。 這樣的“丑”雕像卻具有藝術美感。 我們可以感受到羅丹對人性、人類命運、人類悲劇的理解和思考。 在羅丹眼中，只有真實、自然才能擁有永恒的魅力。 其次，《行走的人》還凸顯了羅丹雕像的一個重要創新——那就是強調表現材料本身的質感，這對后來現代主義雕像的發展產生了很大的影響。 在作品中，我們可以強烈感受到創作者特殊的材質創作方法，以及這些加工方法所呈現出的青銅質樸、流動的質感。 這與他接受印象派作家的影響有關。 羅丹也十分重視傳統，旨在復興古典雕像的魅力。 他的花崗巖石雕《吻》和《思考》包含了很多多納泰羅和米開朗基羅的東西。 米開朗基羅的這些未完成的作品讓羅丹著迷。 但從《行走的人》來看，更多的是羅丹打破了之前雕刻的紀念碑，那些裝飾花園、噴泉、走廊、宮殿、教堂的造型。 他們的社會、政治、裝飾任務先于藝術表達。 羅丹讓精雕成為表達思想的工具，成為個人表達的工具，藝術表達放在第一位。

精美的雕刻從廣場和建筑的底座上拔出來，化為詩歌、哲學、自由的歌聲。 羅丹給了精雕貼心，也給了精雕新的生命。 在《巴爾扎克》、《雨果》、《加萊居民》等羅丹的巨著中，在評審過程中總會出現大爭論也就不足為奇了。 羅丹精美的雕刻在精神上是反紀念性的，在方法上也是反紀念性的。 他的精美雕刻適合擺放在內廳，讓人走進去，小心翼翼地圍繞著觀賞、冥想……第三，從作品《行走的人》中，我們可以看出羅丹是一個非常注重的人。對社會。 現實。 也是一位關心現實社會中的弱者和受害者的藝術家。 從這一點來看。 羅丹是一位具有強烈現實主義創作精神的雕塑家。 我們知道，在羅丹生活的時代，即19世紀末，資本主義社會已經發展到壟斷階段。 這一時期，一切社會問題和矛盾都尖銳暴露。 羅丹站得高，看得遠，對社會現實有清醒的認識。 出于強烈的社會責任感。 羅丹斗決心用一把精雕細刻的刀，對社會進行深刻的剖析。 而《行走的人》則是羅丹希望每個人都能像石雕一樣向前邁進，積極進取，帶著理想和思想走向未來，而不甘心成為社會的奴隸，被權力和金錢所囚禁。 這與羅丹的另一本專著《青銅時代》有著密切的聯系。 這部杰作是以剛睡醒的人為主題的。 年輕的人體像動物一樣舒展而有節奏，展現了人類剛剛從自然的禁錮中蘇醒的狀態。 ，象征人類從苦難走向文明的時代特征。

我想，從那時起，羅丹大師就確立了自己對藝術和人類的重新思考，也對自己未來的道路確立了堅定的信念，并且會勇敢地走下去。 不管怎樣，通過《行走的人》這部只為羅丹洗清嫌疑的作品，我們可以清楚地了解羅丹和羅丹的創作思路。 (1)個人主義：羅丹所描述的對象是個人。 雖然是一座群像紀念碑，但主題卻是民族的歷史故事，就像《加來的居民》一樣，他依然沒有聚焦于任何一個人。 他們的腳步不一致，各自承擔著自己特殊的悲劇，也各自有自己的思考方向。 （2）作品贊缺陷，作品贊痛苦：描述的是個體，個體有特殊性、缺陷、偶然生老病死。 這也凸顯了羅丹藝術中的“真實”。 雖然這也是甜食們想在悲壯中看到生命的活力，在朦朧破碎中看到美好，在碎片中看到無限。 （3）自由與力量：羅丹的每一件雕塑都圍繞著一個寬闊而自由的空間，沒有嚴格的正面和側面。 每個雕塑都有很強的運動感，它們不一定是在行走，但整體卻很緊張，內心燃燒著想去某個地方的欲望。 （4）對自然的熱愛和泛神論：羅丹莊嚴地描述了個人的歷史和世界的痛苦，但他是從對自然的熱愛出發的。 在他的遺贈中，他對這位年輕的精美雕刻師說：“讓自然成為每個人唯一的男神。” 她還形容了這些年輕活潑、精致細膩、清新如小獸的女孩。

他多次提到自然的奧秘、對自然的宗教感情以及藝術與宗教的密不可分。 （5）生命的悲劇感和英雄感：個體畢竟是脆弱的，經過一生的跳躍和掙扎，最終死去，剩下的歡樂和痛苦交織在一起。 羅丹的作品充滿了豐富的人生體驗內容，氣勢磅礴、震撼人心，就像這些甜蜜作家筆下的巨大戰場、海上風暴、死亡孤筏、獵獅獵虎的場景一樣。 《行走的人》將這些諸多概念綜合、鑄造在一起，并表達得生動、自由。 大步邁進的動力，行走在日夜動蕩的氣氛中。 身體破舊，但每一處都堅固如金屬，胸肌緊繃，絕不屈服或妥協。 它并不真正擔心它要去哪里，但它帶著泰然自若和自信。 它沒有頭骨，一半被毀，它早已消失，它早已屬于大空間，它屬于虛無，它屬于不可知的行走人雕像，它屬于神秘。 人類的行走已經跳到了宇宙法則的運行之中。 上帝是健康的。 荒涼，遼闊。 羅丹的一生經歷了坎坷，走上了一條艱難的藝術探索之路。 正如《行走的人》一樣，它對現實主義進行了大膽的探索，追求了油畫的印象主義，為古樸典雅的古典主義雕像畫上了完美的句號，為現代主義雕像開啟了華麗的第一階段。 一頁。 大造像師不可能通過這數千字解釋清楚。 他的偉大，他的創作思想，必須用心去感受、去思考、去理解、去體會……參考：《羅丹藝術論》，南寧大學出版社； 《熊秉明日記——關于羅丹》，上海教育出版社； 《外國藝術史》，西南師范大學出版社；