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雕像作為古老的藝術手段之一，在東西方都形成了無數不朽的杰作。 長期以來，仿制技術所創造的風格占據了歷史的主要篇章，成就了古埃及、古羅馬等多個時期石雕藝術的輝煌。 文藝復興時期的雕塑大師米開朗基羅將其推向了極致，迫使后來的雕塑家不得不改變方式，尋找新的方式。 即使到了晚年，米開朗基羅仍致力于探索雕塑語言的新方式。 巴洛克時期的雕塑家貝爾尼尼以簡潔寫實的方式創作物體，同時也追求整體布局的動感和不穩定性，指出雕像、建筑、繪畫、燈光和材料的綜合運用。 19世紀歐洲雕塑家羅丹在尊重實物形象的基礎上，強化了激情，使充滿物質特征和人性特征的手稿、刀痕、光影語言有利于整個雕像形式。 面對前人閃爍的藝術光輝，隨著材料工業的發展、加工技術的進步和人類對物體認識的加深，形式的精確不再是高不可攀的。 二十世紀的雕塑家們陷入了困境和猶豫。 他們不斷從各個角度尋求改革、創新、突破。 就像莫蒂利亞尼和賈科梅蒂身體的拉長，畢加索和阿奇平科的身體結構，阿爾普身體的擴張，卡德爾身體的運動，以及杜尚對原始物體的放置，從而純粹表達觀念裝置、行為等。 .，創造出一個又長又豐富多彩的表達詞匯。

世界似乎變得越來越小，而相互的影響卻與日俱增。 風格上的差異會趨于相同嗎？ 這個問題在剛剛沖破限制性思維的沉重束縛、追求人性解放的中國雕塑家面前同樣嚴峻。 一方面，傳統泥塑有著廣闊而深遠的沃土，另一方面，在反映現實、服務公共生活空間方面，造像的理論和實踐基礎還相當薄弱，這就自然產生了幾大模式：中國本土模式、西方傳統模式、西方現代模式。 兩者在當今的雕像文壇交匯。 人們對機械模仿西方傳統模型而產生的觀念僵化的雕像風格感到不滿，感到保守。 他們不能貿然套用本土的百搭風格，也不能容忍一些失去審美原則的現代西方“作品”。 雕像去哪兒了？ 雖然就流派和塑造方法而言，傳統與現代、東方與西方、具象與具象等等，無所謂好與壞，沒有必要贊揚一個或批評另一個。 它們各有其精華，也各有其糟粕。 關鍵在于能否正確運用公認的審美原則，合理展現當地的精神內涵，同時又有獨特的藝術品味。 實現上述目標的途徑就是將設計理念融入到雕像之中，從而豐富力量，強化雕像的設計理念。

設計（）是20世紀中葉在科學技術和經濟發展以及人類日益增長的需求基礎上產生的一門綜合性應用科學。 它研究生產技術、藝術和社會生活之間的相互關系，研究如何創造出符合工藝流程和工作表現的形體，符合美的規律。 它還研究作品如何在特定的時間和空間上滿足人類的各種需求。 設計理念的核心是一切為了“人”，最大程度地滿足人們的心理和生理要求。 設計作品中思維的物質再現表現出一定的時代性和地域性，實際上描繪了藝術家自身的個性特征。 雕像主要通過空間造型（點、線、面、肌理、材質、光線、色彩等多種因素的構成）來表達其內涵。 總的來說，可以說設計存在于選題、材料、塑造上。 綜合設計除了雕像本身的視覺傳達外，還應從審美主體（欣賞者）、加工工藝、擺放環境等多方面進行解讀。 這就要求雕塑家具有廣闊的思維和豐富的想象力，選擇合適的材料，探索自然之美，尋求與人更多的融合，以達到審美主體與雕塑對象、雕塑的內涵與表現、雕塑本身與人的融合。周圍的環境，以及雕塑的表現力和表現力。 功能的統一等等。 重視設計在雕像造型中的作用，無疑可以更加注重人的主觀能動性，使作品更加具有原創性和活力。

設計在雕像創作中的作用可以進一步概括為：

1.主題選擇

設計使創作能夠體現時代特征、民族特色。 雕塑家更注重人的價值和雕像的實際放置環境。 他們根據具體功能進行選擇，有針對性地滿足不同層次的人群，適應不斷變化的多方面需求。

2.創意加工

設計的目標是產生作品的獨特性和藝術家的個性。 這使得雕塑家能夠從自然科學和社會科學中汲取養分，比如：雕像本身之間線雕、浮雕、透雕、浮雕的綜合運用； 雕像與現代構圖、色彩的結合，以及聲、光、電、風、水的結合。 采用等，提倡新材料、新技術、新工藝在作品中的運用，如：材料的巧妙運用、反視覺的形狀、象征性的圖像、變異與常見類型、夸張與省略、分解與碎片化、漸變重復、轉置、組合等。

3.功能應用

這樣的設計使雕像的功能更加多元化。 這使得雕塑家不僅能夠追求藝術敘事，還能回應物體的要求。 根據行業特點和應用性質，采取不同的表現形式，防止戶外大型雕像在室內放大，以及紀念性雕像和標志性雕像的誤用。

4.評價定位

作者是否有“想法”，作品是否有“閃光點”，設計成為評價作品價值和作者地位的又一標準，防止作品程式化、概念化，變得更加合理。 設計的精彩與奇特無疑會給藝術批評帶來新的視角，也為雕像教學提供新的內容。